Uw winkelmandje is leeg
Er zal altijd veel discussie zijn over het beste tijdperk voor cinema. Voor mijn twee cent kan ik met groot vertrouwen zeggen dat de beste periode in de filmgeschiedenis de jaren zeventig waren.
Er heeft in dit decennium zeker een transitie plaatsgevonden waarbij de cinema van eind jaren zestig doorging, tot aan de geboorte van de blockbuster zoals we die nu kennen.
We zouden de jaren zeventig bijna in twee categorieën kunnen verdelen, al zal ik ook subcategorieën zoals de Blaxploitation-periode noemen. Aan de ene kant begonnen regisseurs zich zo ver mogelijk af te bewegen van de traditionele Hollywood-productiecode.
Vind de beste pin-ups uit de jaren 50 en 60 !
Grenzen werden verlegd en optimisme werd vervangen door diep pessimistisch werk. Niet alles had een happy end. De zaken werden donkerder en weerspiegelden een moeilijke periode in de sociale geschiedenis, toen we van het tijdperk van de burgerrechten overgingen naar dat van Nixon, Vietnam en de economische strijd in het hele Westen. Uiteindelijk zouden de spanningen in het Verre Oosten verschuiven naar spanningen met Rusland.
De laatste wereldoorlog was nog relatief recent en de gewelddadige conflicten van eind jaren zestig en het gevoel van onbehagen dat met deze conflicten gepaard ging, maakten deze periode tot een zorgwekkende en verontrustende tijd in de sociale geschiedenis. Zoals met alle dingen, wordt dit weerspiegeld in de bioscoop.
Dit kan soms op meerdere manieren werken. Er is óf een neiging naar sociaal reflectieve cinema, óf meer naar escapistische cinema, en tegen het einde van de jaren zeventig zagen we de overgang van de eerste naar de laatste.
Begin jaren zeventig boden deze moedigere films en een nieuwe golf van frisse en stimulerende regisseurs, zoals Francis Ford Coppola en Martin Scorsese bijvoorbeeld, een vaak sobere maar elegante filmselectie.
Op dezelfde manier zou een groep uitzonderlijk veelbelovende acteurs (en actrices) zoals Robert De Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman, Jack Nicholson, Meryl Streep en Harvey Keitel het voortouw gaan nemen bij het vervangen van de meer atypische sterren van Hollywood. Cary Grant- mal enz. Ze zouden doorgaan met het uitstippelen van een pad dat iemand als Marlon Brando was begonnen uit te stippelen.
De methodologische aanpak zal in dit tijdperk veel gebruikelijker worden en zal een gedurfde en gedurfde aanpak vormen die toekomstige spelers kunnen overnemen. Op dezelfde manier werden in de komedie de fysieke capriolen van Jerry Lewis vervangen door de neurotische overpeinzingen van regisseurs als Woody Allen en Albert Brooks . Wat we recenter kennen als mumblecore, leunt zwaar op het werk van Allen etc.
Zonder al te veel in detail te treden over hoe deze films werkten, omdat elke film die ik zou kunnen noemen op zichzelf al een theorieboek waard is, spreekt het voor zich dat de hoeveelheid klassieke cinema die dit decennium voortkwam onthutsend is.
Ja, het zou veel te gemakkelijk zijn om met de vinger naar twee peetvaders te wijzen en hen het toppunt van de cinema te noemen. Het zijn ongetwijfeld meesterwerken. Wij weten waarom. Dus ik zal ze vermijden. Hun reputatie gaat hen vooruit.
Ik blijf bij Coppola en ga het even hebben over een klassiek voorbeeld van een film die perfect de benadering van cinema uit de jaren zeventig belichaamt. Hij was actueel, tot nadenken stemmend en duister. Het was ook een voorbeeld van een van de meest ongelukkige films op het CV van een regisseur in de geschiedenis.
Deze film kon niet slechter geplaatst worden dan hij was, aangezien de plaatsing zelf ervoor zorgde dat de film in een zwart gat werd gezogen. Het werd volledig overschaduwd door wat eraan voorafging en wat erop volgde.
Dit is The Conversation, de minimalistische, eenvoudige, uitgeklede film die ingeklemd zat tussen Coppola's eerste twee grootse films, The Godfather. Op zichzelf is The Conversation een briljante film. Het is een meesterwerk. Boeiend, intelligent, uitzonderlijk geschreven en op een vreemde manier lijkt het een bijzaak. Het lijkt alsof ze de tijd vult.
Het vult een leemte tussen gangster-epen. Van elk duur en uitgebreid decorstuk, van de enscenering en montage van The Godfather tot de prachtig eenvoudige kadrering en stilte van The Conversation.
Deze film verdient het om in de top 100 te staan. Oké, hij heeft misschien niet het iconische ontwerp van Coppola's uitzonderlijke gangsterduo (we zullen het derde deel niet noemen), maar Gene Hackman geeft een van zijn meest introspectieve en effectieve vertolkingen, in een film met voortreffelijk geluidsontwerp en een spannende weergave van een zenuwinzinking als gevolg van paranoia.
Ik kan niet genoeg benadrukken tegen degenen die het gemist hebben, maar je moet zeker The Conversation bekijken.
Coppola zou het decennium afsluiten met een uitgestrekt oorlogsepos dat stilistisch gezien de antithese is van de rechtlijnige aanpak die hij gebruikte in de eerder genoemde Hackman-
Apocalypse Now was een moeizame beproeving. Het kostte Martin Sheen bijna zijn leven. Coppola pakte dit perfectionistisch aan. Elk beeld van elke scène is kunst. Het is een verbluffende film met opvallende beelden die prachtig spelen met de grimmige gruwel van wat de film feitelijk weergeeft.
Alles, van de enorme, visueel oogverblindende sets tot de intimiteit van Marlon Brando's angstaanjagende maar intens meeslepende uitvoering, is een genrebepalend geniaal werk.
Als er één ding is dat de standaard van de jaren zeventig perfect belichaamt vergeleken met de rest, dan is het Coppola's CV. Hij heeft geweldig werk geleverd gedurende de jaren 80 (ik ben dol op Rumble Fish), maar niets lijkt op de Corleone-saga, zijn epische Nam of zelfs The Conversation.
Scorsese begon aan Mean Streets, een rauwe en stijlvolle gangsterfilm die een veel minder geromantiseerde en moderne (destijds) weergave van de... nou ja... gemene straten liet zien.
De jaren zeventig waren een periode van rauw en experimenteel Scorsese. Het grote moment kwam eraan en tot op zekere hoogte bereikte die nerveuze, creatieve levendigheid zijn hoogtepunt aan het einde van het decennium met Raging Bull.
Begin jaren '80 had hij zijn vak geperfectioneerd en binnen tien jaar zou hij een meesterwerk regisseren in Goodfellas . Een van zijn meest stijlvolle en introspectieve films is echter Taxi Driver .
Hij is een regisseur in opkomst, vol nieuwe ideeën, durf en instinct. De Niro was fascinerend. Bijna 90% van wat zijn optreden zo boeiend maakt, is intern. Travis Bickle trekt het publiek naar binnen en eist onze aandacht en interpretatie.
De film is anders dan alles wat Scorsese sindsdien heeft gedaan. Uiteindelijk was het ook op tijd. Het was een atypische film uit de jaren zeventig en de romantische afbeeldingen van New York zijn grotendeels verdwenen en vervangen door films als Taxi Driver. Zie ook LA, Chicago en San Francisco. De filmmakers lieten nu zien wat er achter de schermen gebeurde.
Zelfs in een historische film was alles heel modern. Chinatown speelde bijvoorbeeld als een oude zwarte gomboom, maar alles eraan droop (briljant) van het pessimisme van de jaren zeventig.
Dit tijdperk draaide niet alleen om flares en groot haar, verre van dat, en zeker niet filmisch. Jack Nicholson vestigde zich stevig in de nieuwe golf, terwijl Roman Polanski als regisseur naam begon te maken buiten Europa (en voordat hij naam maakte voor iets dat eigenlijk minder lekker was).
De film, die een goed voorbeeld is van een (Robert Towne) scenario zoals je kunt zien, is onmiskenbaar sinister en schuwt alles wat hij afbeeldt niet, of het nu gaat om bedrijfscorruptie, politie of incestueuze verkrachting.
Als de onsterfelijke laatste woorden, ' It's Chinatown ', worden uitgesproken na een van de donkerste en meest ontroerende eindes van de bioscoop, wordt de kijker gebroken, maar wordt de greep, die boeiende en hartstochtelijke staat van kijken, losgelaten. Chinatown blijft, zoals veel films uit die tijd, bij je.
Je kunt een hele reeks moeilijke, donkere en krachtige films uit die tijd bekijken, van big budget tot low budget. The French Connection, Marathon Man , de magnifiek rauwe en diepgewortelde Badlands.
Op dezelfde manier laat het zien van een film als All The Presidents Men zien dat de filmmakers niet bang zijn voor het directe verhaal. Ze hielden zich bezig met het hier en nu en lieten de wonden niet eerst genezen.
Er is dus een groep rijzende sterren en regisseurs die pionieren met nieuwe en verkwikkende stijlen. Maar ondertussen waren de gevestigde sterren en regisseurs nog steeds aan het werk.
Brando , die in de jaren vijftig de spelregels herschreef, produceerde nog steeds iconische shows voor Coppola. Sidney Lumet , een regisseur die veel opkomende regisseurs uit de jaren '70 inspireerde (waaronder FFC en Scorsese), produceerde nog steeds enkele van zijn beste werken, zoals Dog Day Afternoon en Serpico (die geen ophef veroorzaakten in hun representaties van sociale onrust en institutionele corruptie).
Dit tijdperk was ook een sleutelperiode in de exploitatiecinema. Regisseurs als Michael Winner (Death Wish) en Abel Ferrara betreden de arena. Hun cinema was slordig, een beetje rommelig, maar vreemd inzichtelijk.
Onder het afval van Death Wish bevindt zich veelzeggend sociaal commentaar. Er wordt niet alleen gesproken over de stedelijke setting van American City, maar ook over de westerse samenleving als geheel in die tijd. Dit is een film die net zo goed in Londen gefilmd en gespeeld zou kunnen worden.
Als je naar de donkere en sombere wereld van Get Carter (Mike Hodges) kijkt, leken de Britten zeker af te willen stappen van geromantiseerde afbeeldingen van het stadsleven. Als figuren als Coppola het traditionalisme verscheurden, zoals starre schietvormen, driepuntsverlichting, enz. Ook zij verlegden zonder reden de grenzen van de evaluatiecommissie.
Het was een tijd waarin pornofilms heel gewoon waren. De productiecode van Hollywood stond in brand. Iedereen verlegde de grenzen van smaak en fatsoen en beproefde zijn geluk. Deep Throat, Debbie Does Dallas en anderen.
Tegelijkertijd zagen we een sterke zwarte beweging met de opkomst van de Blaxploitation -cinema . Plotseling ontstond er een populatie waar nog niet eerder rekening mee was gehouden.
Uiteraard heeft de burgerrechtenbeweging hieraan bijgedragen. Het was niet alleen het atypische standaardpubliek (door Hollywood vaak beschouwd als blanke mannen en hoogstens blanke vrouwen) dat een meer realistische en rauwere cinema eiste, er was ook een minderheidspubliek dat iets voor zichzelf eiste.
Terwijl Pacino en De Niro etc. hun ding deden (met hun eigen uitgesproken Italiaans/Amerikaanse identiteit), zagen we sterren als Richard Roundtree , Fred Williamson , Pam Grier en Jim Killy schitteren in een verzameling hippe, coole, attitude-geïnjecteerde exploitatiefilms.
Shaft , Coffy of Foxy Brown was , deze films waren niet helemaal realistisch. Het waren eigenlijk stripboekfilms met een citroenachtige, trashy twist.
In sommige opzichten waren deze films een manier om de traditie te omzeilen en zelfs de Hollywood New Wave (die vaak zwarte personages begon te vertonen als onderdeel van criminele bendes, enz.)
Wat dit allemaal laat zien, is hoe wonderbaarlijk eclectisch de Amerikaanse en Britse cinema was. Tegelijkertijd was er veel experimentele cinema.
Mensen stapten af van studiosystemen. Een collectief van afgestudeerden van filmscholen maakte hun eigen low-budgetfilms en vond springplanken voor grotere werken (Scorsese, Ferrara, FFC, enz.).
Mensen als Terrence Malick of John Cassavetes waren zeer ongebruikelijk in hun stilistische benadering en de manier waarop ze verhalen vertelden. Vooral Cassavetes had een heel rauwe stijl, maar in alles wat hij deed zat een waarneembare waarheid.
Interessante cinema bleef uiteraard niet alleen beperkt tot het Westen. Maar tot op zekere hoogte is het gewoon een inhaalslag op wat de oosterse cinema en Europa al hebben gedaan.
Ondertussen begon de Oost-Europese cinema, ondanks de spanningen, de aandacht te trekken in de Verenigde Staten. In feite wordt de waardering van de toeschouwer voor de wereldcinema steeds scherper en opener voor bredere invloeden.
Andrei Tarkovsky liet de kunst en esthetiek van fotografie op prachtige wijze samensmelten met bewegend beeld. Hij maakte de weg vrij voor een groep Russische en Oost-Europese regisseurs. De Franse cinema had al een groot deel van de groep overgenomen; De Amerikaanse cinema bestond nu, eind jaren vijftig, tot ver in de jaren zestig, terwijl experimentelen als Godard stevig bleven werken.
Zoals ik al zei, ik zou aan elke genoemde persoon hele artikelen kunnen wijden, maar ik weet niet zeker of het internet voldoende opslagcapaciteit heeft voor mijn omzwervingen. Ook de eerder genoemde Polanksi en Milos Forman zouden de sprong maken van hun respectievelijke landen naar Hollywood-faam.
Horrorfilms brachten een revolutie teweeg in hun stijl. Ze nemen de zaden op die zijn genaaid door personages als Hitchcock of Michael Powell (Peeping Tom). Stilistische benaderingen worden verlegd en grenzen worden verlegd op het gebied van videobewaking, kleuren en montage.
Ten slotte worden de zaken steeds duisterder (satanisch), angstaanjagender of bloediger. We hadden The Exorcist, Rosemary's Baby, The Omen en vervolgens de Giallo-films die vanuit Italië naar ons toe kwamen . Dario Argento , met opwindende horrorfilms als Deep Red en Suspiria , een beweging van creatieve, grensverleggende regisseurs zonder beperkingen.
Eind jaren zeventig John Carpenter langs en herschreef de regels van de slasher, wat in de jaren tachtig leidde tot een reeks imitaties en franchises.
Zoals ik al eerder zei, werden de zaken tegen het einde van het decennium geleidelijk duidelijker, omdat het publiek nu een beetje escapisme nodig had. Plotseling zagen we hoop en goedheid.
Hier en daar een beetje fantasie. Van Dirty Harry , Deliverance en Don't Look Now , tot films als Rocky, Close Encounters of the Third Kind , Grease en natuurlijk Star Wars . Tegenwoordig proberen filmmakers steeds vaker inkomsten uit de kassa te halen in plaats van het intellectuele of sociale geweten van het publiek uit te dagen.
Er was nog steeds een mix in de jaren 80, maar het landschap veranderde beslist in de richting van fantasie. Of het nu gaat om outsiderverhalen of ruimteavonturen. De realiteit van het post-Nixon-Nam-tijdperk werd moeilijk te assimileren. Mensen wilden de werkelijkheid zien, maar ze leefden er ook naar. Ze hadden iets anders nodig.
Bij iemand als Rocky Balboa straalde het bijvoorbeeld een zekere hoop uit. Dat er zelfs in deze smerige straten voor de gewone man een kans bestond op iets groters.
Flickering Myth -bandbreedte met nog veel meer doorbreek, ga ik jullie vragen wat jullie favoriete films uit de jaren '70 zijn en, inderdaad, is er een beter tijdperk voor cinema?
Google maar eens een lijst met films uit de jaren 70 om te zien wat de uitmuntende (wereldwijde) productie van dat decennium was. Ik denk niet dat we haar kunnen overtreffen.
Je vindt hier ook onze top 100 beste films uit alle periodes die in New York zijn opgenomen!
Reacties worden vóór publicatie goedgekeurd.
